Imagen, Materialidad y Tecnología.

El tema que se desarrollo en la magistral fue: Imagen, materialidad y tecnología.

Primero se abordo el tema de como la imagen a evolucionado a lo largo de la historia del arte, y como fue siempre explicada por medio de dos términos, la "imagen visual" y la "imagen técnica", así que comenzamos a hacer cuestiones de que las imágenes no eran solo formas, si no que al circular de forma social y cultural adquirían un carácter de vida propia, lo que hace un poco obsoletos los conceptos anteriores, ya que en la era digital, las "imágenes" han cambiado de naturaleza por completo.

Gracias a la era digital y al Internet, surgió un nuevo concepto, que yo considero, de gran importancia, este concepto fue la " Hipervisualidad", ya que el Internet, al ser como un laberinto y tener muchos links (conexiones), permitió a las imágenes tener nuevas fronteras, ademas de que el simple hecho de ser una imagen digital dio cabida a nuevos tipos de expresiones, ya fueran modificando las imágenes desde la programación de visualización en las paginas, hasta provocar "errores" en los programas.

Todo esto, demuestra como la tecnología es una herramienta para los medios artísticos,  ya que siempre a brindado una infinidad de posibilidades y teorías junto con ella, la "descomposición digital" y la "hipervisualidad" son solo unas pocas posibilidades de las que realmente podemos conseguir en la "new media", lo importante en verdad, es que sepamos conocer todas las posibilidades que tenemos en frente y saber que es lo que buscamos y queremos decir, para tener resultados óptimos, ya que no siempre nos brindaran lo que queremos una sola técnica, y no necesariamente tiene que ser lo mas contemporáneo, podemos fusionar o delimitar nuestros medios, según lo que queramos expresar.  

El espacio arquitectónico y su papel en la fotografía

Mauricio Alejo, es un fotógrafo auto didácta, su trabajo esta centrado, principal mente, en su espacio cotidiano y el jugar con los elementos que se encuentran en el y darles otro significado, cuestionandolos o re-inventándolos con sus ideas.

La forma de ver que tiene Alejo, es muy interesante, ya que combina aspectos escultóricos y arquitectónicos a la fotografía, el simple hecho de jugar con las perspectivas y de crear nuevas percepciones con ayuda de la fotografía es uno de los aspectos más importantes de su obra, y el que mas me causo intriga, no solo por que hemos estado viendo estos términos escultóricos a lo largo del año escolar, si no que, mas bien, me pareció un punto importante a resaltar su idea de combinar las dos disciplinas, para tener una forma de abordar las cuestiones que se plantea, y darles una solución coherente, ingeniosa y dinámica. 

Vemos como desarrolla todo un problema de percepción visual con ayuda de sus vídeos y fotografías, aveces le da prioridad al espacio, otras a la línea o a la textura, esto convierte a su obra en algo dinámico, ya que al abordar y solucionar estos distintos problemas de percepción visual, nos demuestra como de un espacio aparentemente "simple" se puede crear un dialogó, cosa que busca Alejo en su obra. 

La cámara lucida.

La perspectiva con la que Barthes aborda el tema de la fotografía nos deja mucho que pensar, vemos así como trata de entenderla y explicarla con base a los conocimientos que el posee, ya que al no ser fotógrafo tiene toda una forma diferente de ver el tema.

La fotografía siempre nos causa una sensación inexplicable, ya que siempre (si se es buena la fotografía) nos deja una inquietud enigmática, esta inquietud siempre se podrá abordar y explicar de diferentes ángulos, llevándonos a variadas soluciones. Como podemos verlo con Barthes, ya que el no ve el acto fotográfico de manera técnica (como lo hemos abordado incontables veces), si no que, trata de llegar a entender la "esencia" de la fotografía, pero por medio de algo no empírico, sino mas bien perceptivo y sensorial.

El tema del retrato es uno de los que mas me inquietaron, ya que el lo explica de una forma muy diferente y singular. Este acto de ser, dejar de ser y no ser, es un tema con el que podríamos estar (o no) de acuerdo, esta sensación de "ser", antes del acto fotográfico y de "ser objeto", al convertirse en una fotogafía, puede sonar muy simple, ya que el hombre siempre "es" con el solo hecho de existir, y se puede también entender en la transformación del "ser" a,el "ser objeto" ya que esa imagen capturada se convierte en un retrato, se vuelve a su vez un objeto. Lo que en verdad nos interesa en la postura de Barthes, es que él, ademas de proponer el "ser" y "ser objeto" nos propone el "no ser", a este estado lo explica con una analogía referente a la muerte, ya que dice que en el momento en que se está tomando la fotografía, es el momento en que se deja de ser en todos los sentidos, ya que se encuentra en una especie de limbo, y no se a dejado de ser, pero tampoco se concreta el ser como objeto.

Todas estas conclusiones las trata de justificar por medio de dos términos que el mismo da valor, para tener cierta coherencia al explicar sus conclusiones. Estos términos son, el Punctum - es la percepción individual, sobre una fotografía, como lo explicaba al principio, cada quien percibe y valoriza una fotografía de manera independiente y "azarosa". Y el Studium- es el entendimiento que se le a dado de manera general a la fotografía, es decir, una manera de explicarla que sea fácil de entender.

Con este problema anterior, podemos ver como, se le puede dar un sentido muy distinto al acto fotográfico, ya que si viéramos ese problema desde un punto de vista de un fotógrafo, no nos hablaría de toda está problemática existencial, si no que, nos hablaría de los diferentes tipos de retrato y de como poder abordarlos, en vez de hablar solo de el acto fotográfico y su relación con la muerte.

No creo que la propuesta de Barthes sea una verdad absoluta, pero es de considerarse, ya que esto no limita a la fotografía, sino todo lo contrario, la nutre y hace crecer sus posibilidades, ya que mientras mas puntos de vista obtengamos de un tema tan rico como la fotografía, mas opciones tenemos para trabajar con ella, todo está en que conservemos una postura lo más objetiva posible y considerar los diferentes puntos de vista para concretar nuestra propia postura fotográfica. 

Desarrollo Tecnológico en la fotografía.

Vida y tecnología.

Estamos en un momento en el que el ser humano vive a través de la tecnología, en todo momento tenemos con nosotros algún aparato electrónico, ya sea un celular, una tablet o un ipod, por eso mismo debemos responder a las demandas sociales y usar esas herramientas tecnológicas a nuestro favor.

El arte, al ser un reflejo de nuestra sociedad y realidad, nos demuestra que es de un carácter evolutivo, la misma historia de la fotografía nos lo demuestra,  por eso es impredecible que un artista se mantenga actualizado en la información de las nuevas herramientas que  pueden llegar a necesitar. 

Post-producción y herramientas.

Las herramientas que tenemos ahora a nuestro alcance son muy variadas, tenemos de donde escoger, lo cual es una gran ventaja, ya que diferentes herramientas nos brindan diferentes resultados. Los diferentes tipos de herramientas que solemos utilizar para la producción y post-producción de imágenes son : cámaras, perfiles, softwers de edición, filtros, formatos, salidas, distribución y consumo. Estas últimas, son de gran importancia, ya que hora, gracias al la red, se nos permite mostrar nuestro trabajo de manera eficiente, y también  distribuirlo de manera que tenga un mayor rango de alcance, esto nos oblia a saber manejar nuestra información y en donde mostrarla, ya que cada plataforma brinda un público específico.

Distribución de redes sociales.

Como se menciona anterior mente, esta parte de el nuevo proceso creativo, es esencial en el mundo en el que nos desarrollamos, hay una serie de puntos que se tienen que tener bien pensados para una optima distribución de datos, los cuales son: metadata y etiquetas, los cuales nos ayudan a tener la definición deseada y durabilidad en la red, junto con las etiquetas que facilitan su distribución y facilitan la búsqueda de tu trabajo. Redes sociales, como ya mencionamos, en cada red social, se encuentran ciertos perfiles de las personas que se encuentran en ellas, es necesario buscar el lugar en donde las personas se identifiquen mejor con tu trabajo y así se logre una mejor difusión.

La fotografía y el campo físico.

La tecnologia ahora nos brinda grandes herramientas en el campo fotográfico, como sensores, diferentes formas de ver , etc. Comenzamos a pensar en la materialidad de la imagen y como podemos lograr esto con ciertas técnicas, lo que nos obliga a pensar en solución de problemas.

Surge una añoranza hacia los procesos antiguos, debido a la producción en  masa de imágenes y a su fácil re productividad.

Bert Simons, fotografías impresas tridimencionalmente.

Premios Hasselblad

Henri Cartier-Breson - 1982

Es uno de los premios Hasselblad que más me interesan, ya que fue una gran influencia en la fotografía, como ya había mencionado antes, este fotógrafo es de los más interesantes por su forma de trabajar, gracias a los momentos únicos que percibía con su intuición y sensibilidad de la imagen. La forma en la que compone sus fotografías es otra de sus cualidades, ya que no solo se requiere de un instante adecuado, si no de la capacidad de capturarlo en su mejor ángulo, dirección y equilibrio.
Al no modificar ninguna de sus imágenes, el refuerza su idea de autenticidad, ya que no controla ninguna situación, no planea ninguna toma y no modifica el resultado final de la imagen.
Su forma de crear fotografías es muy característico de el, y propone ideas muy personales y que fueron innovadoras en su tiempo.

Irving Penn - 1985

Este fotógrafo estadounidense comenzó haciendo dibujos y diseños en revistas como Voge, después se dio a conocer como fotógrafo, gracias a sus retratos de mujeres que fueron publicados en Voge.
El trabajo que tienen sus retratos es muy interesante, ya que con pocos elementos nos puede decir mucho, la forma en que soluciona sus fondos es muy interesante, ya que aun que sean fondos "planos", se pueden percibir texturas en ellas, ya sean creadas por el mimo material del fondo o por las sombras que se generan en el. Una de sus características más sobresalientes, es el ver como su influencia del dibujo está presente en sus retratos y como se encuentra total mente enfocado al retrato de modas, pero sin caer en lo convencional.

Hiroshi Hamaya - 1987

Fotógrafo japones, que a sus 15 años tubo su primer contacto con una cámara fotográfica, tiempo después comienza su carrera como fotógrafo independiente, lo cual hace que una revista de fotografía lo contrate para que elabore unas fotos y así su carrera tome un nuevo giro.
La fotografía que Hayama nos muestra varias características personales, es muy expresiva, documenta situaciones y momentos, pero también tienen un carácter narrativo, una sola de sus fotos nos puede decir muchas cosas, como lo que sentían los personajes que se ven en las escenas, o se puede percibir la atmósfera de el lugar en el que se toma la fotografía, gracias a esto sus imágenes nos logran transportar a ese momento en el que se esta desarrollando la escena.

Edouard Boubat -1988

Fotógrafo humanista francés, su trabajo como reportero gráfico influyo en su carrera de fotógrafo, el trataba de captar en sus fotografías " La poesía de la vida cotidiana", tomando fotos de sucesos del día a día.
Su trabajo muestra sensaciones que se transmiten con acciones, o con gestos muy sutiles, su trabajo es bastante elegante y delicado, fácil mente se puede sentir las sensaciones que es quieres trasmitir con sus fotografías. 
El trabajo compositivo que maneja es una parte esencial de la narrativa que posee, ya que gracias a ello le es posible transmitir lo que ya habíamos mencionado como "La poesía de la vida cotidiana".

Sune Jonsson - 1993

Este fotógrafo aprendió de una manera autodidacta, su carrera se enfoco en fotografía a personas sencillas, lo cual le da una identidad única, ya que nos narra eventos de la vida cotidiana en la provincia, lo cual nos deja captar el folklore del lugar, ya que este tipo de situaciones nos brindan características visuales y contextuales muy diferentes a las que se obtienen el las documentaciones de la vida cotidiana de una ciudad, esto no significa que la ciudad carezca de importancia, pero  lo que el fotógrafo buscaba era mostrar algo completamente diferente, ya que su tema de interés era la vida en el campo.

Sus fotografías nos manejan situaciones muy interesantes, y que no se pueden ver siempre, nos transporta a un mundo diferente con cada retrato o paisaje retratados.

Robert Häusser - 1995

"Trato de reducir la imagen a lo imprescindible y a un objetivo muy preciso que deje a un lado todo lo demás. El color tiene un significado, eso lo sabe todo pintor, y no quiero un color que no me sirve para expresar lo que quiero"

Este fotógrafo alemán es de los que trataban de reafirmar a la fotografía como un arte, quería que sus imágenes expresaran todo, y no dejar nada a la re interpretación, planeaba muy bien sus tomas, que eran es su mayoría paisajes, aun que también tiene algunos retratos.
La sencillez de sus imágenes es la parte fundamental de su obra, no contar con colores y retratar momentos ya contemplados le daba un control total en la narrativa visual que proponía.

Christer Strömholm - 1997

Este fotógrafo Sueco trabajo mucho con fotografías que manejaban el tema del existencialismo.
Strömolm, llama mucho mi atención, los personajes que solía retratar hablan mucho, ya sea por el contexto en el que se encuentran o por las situaciones en las que se ven envueltos, es fácil notar que su interés primario es el mostrar a sus personajes en su contexto, y que a partir de eso nos surjan una serie de cuestiones acerca de ellos.
Encuentro importante como maneja su narrativa visual, la aprovecha completamente, a manera de que las situaciones planteadas hablen por si mismas, y al mismo tiempo generan interés y cuestionamíentos. Su interés por esté tipo de personajes y situaciones hacen de su trabajo muy característico e interesante , ya que nos hace ver otra cara de la Francia de esa época. 

Nan Goldin - 

Está fotógrafa estadounidense trabajo en torno a la fotografía documental, manejando temas muy fuertes para su época, como la dependencia sexual y droga-dicción.
Sus imágenes tienen una carga social fuerte, nos muestran situaciones violentas con una naturalidad sorprendente. La manera en que trabaja con el cuerpo humano como su objetivo visual y lo enlaza a los problemas sociales hacen de sus fotografías piezas únicas. Su propuesta es bastante interesante ya que nos enseña muchos de los  problemas que surgieron en la época de los 80s y 90s, y los narra de manera clara, ademas de que la mayoría de las situaciones que nos planta son escenas que ella y sus amigos vivieron.

Graciela Iturbide - 2008

"Es una de los fotógrafos mas importantes de latinoamérica, su capacidad de crear fotografías con una gran calidad visual es uno de sus mayores logros", pero también los temas que maneja le dan un giro único, sus fotografías parecen pequeños fragmentos de historias, siempre genera interés de saber que más va a suceder en ellas.
Los temas principales de su trabajo son ritos, costumbres y fiestas tradicionales, dándoles a estos una nueva valorización, gracias a las composiciones y a su visión para crear escenarios visualmente interesantes. 

Ishiuchi Miyako - 2014

Está fotógrafa japonesa a trabajado en la mayor parte de su carrera con el tema del Japón de la posguerra,  las imágenes generadas por Miyako llegan a ser de un carácter poético, a pesar de que su tema de trabajo es bastante fuerte, esto es gracias a la sutileza con la que sus fotografías son tomadas.
Una de las características más sobresalientes en la fotografía de Miyako, es la manera en la que maneja la luz y las texturas, ya que resalta ciertos puntos y formas en cada una de sus imágenes.

Todos estos fotógrafos, nos han brindado diferentes visiones de como podemos llegar a hacer la fotografía, nos muestran sus campos de interés, como desarrollan y culminan cada uno des sus proyectos, logrando así resultados únicos. Todas estas aportaciones fueron resultados de los contextos en los que se desarrollaban los artistas y el enfoque personal que ellos les brindaban, sin dejar a un lado lo artístico en sus obras y proyectos y aportando grandes avances en la fotografía. 

Mariana Dellekamp y Patricia Lagarde.

El trabajo de estas dos fotógrafas tienen en común el tema de los coleccionistas, el cual usan de base para crear dos proyectos completamente diferentes.

Mariana Dellekamp.

Su trabajo consiste en desarrollar una biblioteca "de la nada",  el tema a tratar en esta obra es la Tierra. Su principal problema después de escoger su tema fue como conseguir material relacionado con tierra, así que después de desarrollar algunas ideas lanza una convocatoria para hacer se su obra un proyecto colectivo, en el que el espectador puede tomar parte importante de la obra y convertirse en "autor" de algún libro mandando tierra de algún lugar en especial.

De las cosas que más me llamo la atención, es que las personas tenían sus propias interpretaciones sobre el tema y la convocatoria, había casos en los que ya no mandaban tierra y comenzaban a mandar arena, pétalos y hasta objetos complementarios en sus paquetes. 

Una de las principales preocupaciones de Dellekamp en su proyecto fue evitar separaciones geográficas, así que su sistema de catalogación fue cromático y no político. Elaboro los ficheros con fotografías de los lugares en los que se habían tomado las muestras de tierra, ya que era una des las peticiones que venían en la convocatoria.

El fin que busca Dellekam en su proyecto, es que esta Biblioteca pueda ser consultada y se encuentre en alguna institución de forma permanente, pero por el momento se encuentra pasando por diferentes círculos sociales del arte,  hasta llegar así a un museo. Esta dinámica hace que la exposición sea modificada por el mismo entorno el el que se presenta, ya que cada galería y museo tienen características diferentes, a las cuales se tiene que ir adaptando.

Patricia Lagarde.

Lagarde nos hablo de como sus proyectos están siempre basados en sus procesos artísticos, esto ayuda a que se convierta en una artista multidisciplinaria, ya que al andar experimentando y planeando cada uno de sus proyectos le brinda diferentes herramientas e ideas.

Su necesidad de narrar y generar discurso en su obra causa que busque una forma diferente de trabajar, así que se basa en el tema del coleccionistas y los libros de artista. Su proyecto trabaja con las placas de ambrotipo, que convierten el si, al la imagen en  un objeto único, ya que cada placa es irrepetible.

Lo que ella busca en este proyecto es sacar de contexto los objetos a fotografiar y darles un nuevo sentido, pero para que no cambie el carácter de la obra según el espacio en el que se expone, decide crear un libro de artista donde ella pueda narrar y controlar su obra.

Fotografía del S. XX.

Comenzamos viendo un poco del trabajo de Delacroix, que consistía en en que las fotografías se transforman en pinturas, por lo cual la pintura comienza a tener, otro tipo de "calidad", ya que no se necesitaba tener al modelo, por que con una sola foto se capturaba la esencia de la escena que se quería representar. 

Pictorialismo.

El pictorialismo surgió como una reacción a la fotografía artística, así se separa la fotografía de aficionados, de la fotografía como una disciplina artística por si sola, esto abarca gran parte del S. XX, comienza a haber imágenes borrosas y movidas, ya que tienen influencia del impresionismo, ya no solo es la "técnica" lo que importa, sino también las propuestas que empezaron a generarse.  

Edward Steichen.

Equipos fotográficos del S.XX

En el siglo xx hubo un gran avance en el desarrollo de la tecnología de las cámaras fotográficas. En 1920 aparecieron las cámaras planas,general mente eran de formato 4x4, tenían 12 exposiciones y un formato de 120, como las cámaras Brownie. 

Oskar Barnack fue uno de los inventores más importantes del S.xx, el se dedicaba a construir microscopios, pero también era fotógrafo, lo cual lo llevo a experimentar con la tecnología que usaba en los microscopios en las cámaras fotográficas, lo que lo llevó a inventar la primera cama de 35 mm, la cámara Leica, que tenia la particularidad de que sus lentes eran intercambiables.

Después de esto se desarrolló la primera cámara Reflex, que se llamaba Exakta, era de formato 35mm. También surgieron las cámaras Reflex de dos lentes, que desaparecieron en la década de los 80s.

En 1936 surge en USA la primera cámara de uso masivo, conocida como la Argus, está tenia un formato de 35mm y origino el concepto de cámara automática.

Edwin Herbert inventa la primera cámara instantánea en 1947, conocida como polaroid, por el procedimiento de polarización de luz que manejaba, la imagen se revelaba en 60 segundos, esto fue uno de los descubrimientos más importantes que precedieron a la fotografía digital.

En 1990, surge la era digital, con la cámara Nikon, tenían un disco duro de 80 mb, lo cual permitía que tuvieran una capacidad de 50 fotos en la cámara, en vez de soló 36, como en las cámaras de 35mm o 12 en las cámaras de 120 mm.

  

Técnicas.

Las técnicas que se usaron en esté periodo fueron varias, ya que habían diferentes formatos y también dependía si eran cámaras de película o digitales con su censor.

En las cámaras análogas los formatos que se manejaban eran variados, habían desde la de 35mm hasta la de 254mm, que equivalía a la de 35mm repetida 60 veces. 

Algunos fotógrafos importantes del S.xx fueron August Sanders, Anton Giulio, Man Ray y Lazlo Moholy Nagy.

El trabajo de Sanders estaba basado en la crítica social, la cual abordaba de una manera sutil pero directa a la cultura nazi, su trabajo fue publicado en su primer libro llamado "Face of our time".

August Sanders.

Anton Giulio fue un turista de 1909, el creía que la velocidad en al que se tomaban las fotografías tenía un valor estético muy importante,  esto lo llamo fotodinamismo.

Anton Giulio.

Man Ray era un fotógrafo modernista, pero influyo de manera importante al movimiento surrealista, su mayor contribución a la fotografía fueron las Radiografías, que consistían en poner objetos de diferentes materiales sobre papel fotosensible, lo cual hacia que se marcaran sus formar y adquirieran diferentes tipos de texturas.

Man Ray.

László Moholy Nagy fue un constructivista, al igual que Man Ray el elabora fotogramas. 

Fue uno de los maestros de la escuela del Bauhaus, en donde se convierte en precursor de la fotografía del Bauhaus, su trabajo consistía en crear objetos y después retratarlos, estos objetos los hacia pensando en como proyectarían su sombra ya que le interesaba el tema de la luz.